Sencillamente, en confianza y como si fuera natural Juanma explica que hacen comunicación, ciencia y diseño porque es útil y agradable. Aclara que la ciencia permite tener computadoras, autos, vacunarnos, vivir más años y mejor; y aclara que es agradable porque permite maravillarnos del mundo que nos rodea, como una forma de escape.

“Hacer y comunicar ciencia es importante para cambiarle la vida a las personas, y es urgente porque vivimos en un mundo rodeado de información. Por eso queremos mostrar la ciencia como una herramienta, un como” afirmó con convicción Juanma Garrido.

El equipo de ciencia colectiva El Gato y Caja, mezclan ciencia y diseño tratando de que sean parte de una conversación, como una perspectiva y no como un producto con puntos finales. En sus propios espacios confiesan que en “tres años y tres libros llevamos intentado definir qué somos y qué hacemos. En algún punto, entendimos que las definiciones no iban a ser ni verdaderas ni falsas, sino que a lo sumo iban a ser transitoriamente útiles o inútiles. Comprendimos que, como todos, somos lo que hacemos”.

Garrido, uno de sus fundadores, es Diseñador Gráfico y resalta que el diseño es comunicación. Le gusta aclarar a su público que usan imágenes para comunicar ciencia, porque comunicar ideas abstractas es difícil. Afirma que sin imágenes es complicado hacerse de esos conceptos “es más fácil hablar de meritocracia con un playmovil”.

Las imágenes fundamentalmente le brindan íconos a la ciencia. Cuando Ezequiel Calvo comenzó el proyecto acerca de la tabla periódica rememoró su infancia “para mí de niño la tabla periódica significaba ciencia, y se me ocurrió la idea de contar historias. Ya que hay 118 elementos lograríamos los posters tipográficos, pero yo no lo iba a escribir, sino que íbamos a invitar a 118 personas para que contarán cada uno una historia de cada elemento”.

Así nació “Hay Tabla” un proyecto, donde tomando la tabla periódica, le asignaron a científicos, lingüistas, sociólogos, historiadores, a personas que no tienen formación universitaria cada uno de sus elementos, para que se animen a contar una historia, con 500 palabras para confeccionar un libro y su versión online. Los textos de la tabla fueron escritos por personas de todo el mundo. Así la tabla encierra la historia de todas las personas. Separaron la tabla en metales y no metales, después está clasificada por series de agrupaciones de elementos que se parecen mucho. Ahí empezaron a jugar con los elementos tipográficos, todo tenía que ser funcional. Necesitaban transmitir los conceptos de alguna forma.

Para ambos integrantes hacer la tabla es hacer ciencia desde el diseño y buscaron la manera de que cada persona cuando lea el libro pueda armar su propia tabla. Por ejemplo, si quieren saber qué elementos están relacionados con traiciones puedan ir directamente a esa parte. Cada persona puede hacer una lectura única de la tabla. “La ciencia nos da herramientas para hacer, para medir, comprender y repetir”, concluyó Calvo.

Durante una hora el auditorio se sumergió en el mundo ilustrado de cuatro amigos de 5 años: sus curiosidades, puntos de vista y preguntas algo ingenuas y claramente pícaras acerca de la vida adulta.

Isol cuenta que la idea de hacer una serie televisiva con el libro de Petit surgió de Hernán Guerschuny, director de la Revista Haciendo Cine, y que su primera reacción fue preguntarse cómo un libro de 32 páginas con un tinte filosófico y donde un niño se pregunta qué es bueno y qué es malo podía adaptarse. “Cuando haces libros esta la idea de que va haber un adulto mediatizando esa lectura, cuando uno hace una serie los niños la ven solos” explicó así cómo para la serie algunas ideas tenían que estar más cerradas.

También así recordó que los canales al poner un target de límite de edades, a diferencia de sus libros, “en la tv no podes irte mucho de lo que puede llegar a entender un chico de determinada edad. O no podes insinuar, o ser ambiguo como la idea del monstruo, que claramente era un chiste”. Hoy la serie Petit, el monstruo es una coproducción con CNTV (Consejo Nacional de Televisión / Chile), Non Stop, INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales / Argentina), Señal Colombia/RTVC y ANTV (Autoridad Nacional de Televisión / Colombia).

Fernando Salem también se pregunta por qué eligieron este, entre todos los libros para hacer la serie, ya que era muy difícil serializar un libro o personaje tan único, artesanal y artístico. Finalmente, como a la directora Bernardita Ojeda le gusto la idea de crear la serie animada así empezó todo “hicieron un tráiler lindo. Me empezó a interesar. Empecé a opinar y trasladar mi estética a un dibujo animado” contó Isol muy satisfecha con la creación de Petit.

Con sus compañeros de aventuras -Laura, Gregorio, Román y su perro Tadeo- Petit comparte juegos y vivencias cotidianas propias de la infancia. Y en cada capítulo animado se enfrenta a un hecho del mundo cotidiano que lo llevará a sacar imaginativas conclusiones. Sus resoluciones siempre serán de la manera más inesperada.

Petit es un chico bueno que juega con su perro, es un chico malo que tira del pelo a las chicas, puede ser muy bueno con el abuelo. ¿Como puede ser que un chico tan bueno a veces haga cosas malas?, se pregunta Isol. Y Petit no sabe qué contestar. Es malo en matemática, bueno en lengua. Cuida mucho sus juguete y eso es bueno,

¿Es malo por no querer prestarlos?
– Debo ser un monstruo se dice a sí mismo Petit. Le dice a su madre que debe ser una clase de niño bueno-malo, porque no hay una explicación.

Salem comentó que el proyecto tuvo una posibilidad de vincularse con Disney. Abrir una ventana de exhibición para algo así era positivo, pero a la vez pedirían que se adapte a cierta línea editorial. “Medio que escribí a lo tonto para agradarle al criterio de Disney pero Isol estaba en desacuerdo” confesó Salem recordando que si hacían lo que Disney pedía ya no sería Petit, sino la antítesis del libro.

Fernando resume que su compañera crea libros ilustrados desde el punto de vista de los niños, sus dibujos vibran con energía y emoción explosiva, toma el punto de vista del mundo de los chicos, como punto de partida y se ocupa de sus preguntas con impronta artística y humor. Exponiendo los absurdos de un mundo adulto o lo cotidiano extrañado. Así que pensaron una serie que tenga todas esas patas. “Yo comparto esta visión oscura del mundo, lo que viene a cuestionar la realidad. Y que nosotros como adultos des afortunadamente la naturalizamos. La mirada de los niños y niñas a la hora de descubrirlo lo ven como algo ilógico. A veces pienso: ser adulto es feo. Era lindo ser chico, pero cuando lo eras querías ser grande”.

Entonces Salem se cuestiona: ¿sobre qué hacemos la serie? ¿es sobre Petit el monstruo o el niño que se porta mal? ¿o un niño inocente que no entiende las reglas?. ¿o es un niño travieso que mezcla la realidad y la fantasía? O Petit es un niño que tiene puntos de vista diferentes lo cual era lo más difícil, y terminaron llegando a: Petit es un niño que hace preguntas y las responde con su propia lógica de niño. La lógica bien o mal aplicada conduce a la comprensión del mundo. Los filósofos intentan todo el tiempo comprender el mundo y en eso hay un comportamiento infantil quizás.

Para los creadores llegaron a una sinopsis que les resume el formato: Petit de 5 años, es un niño que en el afán por concretar sus deseos se vale de las lógicas más imaginativas y originales, las ideas de Petit son inocentes pero desafían el mundo, nunca se da por vencido. Tiene que tener un problema, cuestionarlo, o haber un deseo. Es testarudo, porque ejemplo no quiere que se le caiga un diente porque en el fondo no quiere crecer, entonces hacemos formas para que logre esto hasta que se le cae, e igual tiene un final feliz. Tiene que haber un conflicto sino no pasa nada.

Salem resalta que tienen que tener algo para decir, dejar un legado e Isol concluye expresando que quieren decir cosas que sean coherentes con sus opiniones y propias preguntas, con Fer hablan el mismo idioma, y formaron un equipo que se ensambla.

Uno de los pensamientos que Levy no dudó en dejar bien en claro durante su charla fue que la comunicación no puede ser un negocio: “cuando usas un niño muerto no estás haciendo comunicación, no se llama diseño. Se llama miseria y necesitamos más que nunca que la pobreza hable” sentenció.

Hace poco empezaron acercarse al diseño gráfico, involucrándose con herramientas que no manejaban, expresando que el periodismo no solo sirve para contar lo que ocurre sino para poder cambiarlo. Pensando que desde ese mismo lugar, el diseño tiene que servir para transformar las cosas. Para Levy no es una herramienta accesoria ni de marketing sino que, para los que construyen un diseño desde el barrio, el barro, la comunicación popular, el humor, la rima, ayuda alivianar comunicacionalmente los temas trágicos.

La Poderosa, explicó que, decidieron construirla desde el anonimato. Imponiendo la identidad colectiva por sobre la subjetividad personal. Así la organización consiste en asambleas vecinales, presente en villas y asentamientos en las provincias de Argentina como así también en países latinoamericanos como Uruguay, Cuba y Brasil. En espacios como cooperativas de trabajo, lucha en las calles y talleres de educación popular buscan transformar los barrios para generar igualdad de oportunidades.

El debate y los cuestionamientos a las políticas y economías desiguales se ubican en el mismo nivel a las estéticas comunicacionales, al verla como una memoria muy pixelada, una verdad mal retocada y una justicia siempre alineada. “Ahora teníamos un medio y una estrategia comunicacional propia que no repetía intereses ajenos. Ahí está el lugar de los diseñadores que nos ayudan a ajustar las proporciones del Estado. Con el diseño tenemos para mostrar, no para ocultar” afirmó con gran convicción.

El grito de La Poderosa ya no es un grito silencioso ni silenciado. Referentes sociales y populares como Lionel Messi, Diego Maradona, Evo Morales, Dilma Rousseff, Pepe Mujica, el Indio Solari, Juan Román Riquelme, Luciana Aymar, Joan Manuel Serrat, Estela de Carlotto, Nora Cortiñas o Charly García en cada una de sus ediciones participan y apoyan su proyecto y visión.

Al finalizar su charla Levy retoma el pedido que suelen hacerle a los diseñadores para que los ayuden a diseñar un periodismo fuera de foco. Porque si los medios de comunicación, refuerza, le dieran el espacio y las páginas que le dan al estigma de los pibes con gorra, zapatillas de lona, conjunto deportivo o los abuelos que no pueden pagar los remedios, hablaríamos de la edad de vulnerabilidad no de la baja de la imputabilidad. Desde su mirada “habría que diseñar todo el periodismo para diseñar una manera de entender la comunicación”.

“¡Eh, amigo!” (como derivado semántico de Eameo) surgió de un grupo de amigos que se conoció en el 2014 y hacían memes internos. Un tiempo después comenzaron a invitar más integrantes para armar el facebook que hoy cuenta con más de 1 millón de seguidores. Con 5 años de vida y casi 14 mil imágenes, Eameo es un suceso de humor y diseño gráfico en las redes sociales.

Durante su charla “Cualquiera puede memear” recordaron que el primer meme fue publicado en 1921, por una revista llamada ‘Judge’, con unas imágenes en las que comparaban dos casos: el primer dibujo representa cómo creemos que salimos cuando nos hacen una foto con flash y el segundo, representa cómo salimos realmente.

“Pikachu” recordó que hace más de 20 años la banda de “Los Auténticos Decadentes” decían que cualquiera puede cantar, y así no duda en reconocer que cualquiera puede bailar, manejar, hacer memes o cocinar aunque ser gran chef es otra cosa. Aún hoy se pregunta ¿qué es un meme?, e instintivamente aproxima que “un meme es un terreno indefinido, lo venimos descubriendo sobre la marcha. El meme no es una forma de arte ni una ciencia, es la manera más eficaz y difundida de contar ciertas cosas que pasan”.

Pero sin tener una respuesta concisa, consideran que el meme es una unidad de información, la banalización de la tragedia, un derecho, como una síntesis perfecta de pasado, presente y futuro en frasco chico. Es pueblo, es cultura y el fiel reflejo de la sociedad, algo que no se explica. “Todos somos potenciales memes, todos somos el meme de alguien. Y quien dedicó un meme entrega amor”.

Ante la complicidad del público repasaron sus hits hasta estallar en risas y aplausos espontáneos. También hicieron un poco de historia recordando cómo surgieron sus ideas e imágenes más vinculadas a la cultura pop / contemporánea. Recién a principios del 2015 empezaron a usar la política como tópico, incluyendo temas diversos como un accidente ferroviario, debate presidencial, la triple fuga de los hermanos Martín y Cristian Lanatta y Víctor Schillaci, el mundial, conflictos por tierras en el Sur del país, reclamos de tierras hasta cortes de luz en los veranos.

Explican que les ha pasado con algunas imágenes no causaron gracia o no tuvieron la respuesta esperada. Como termómetro o pretesteo reconocen que tienen un grupo cerrado donde se comparten las imágenes “y ahí nos decimos: … mmm para esto es demasiado”. Para “Pikachu” comunicar es una responsabilidad, “ver cómo lo hacemos, no deja de ser un juego. Somos amantes del humor negro”.

Para “Quien les habla” el meme se transformó en un medio de comunicación que se replica rápidamente en distintas redes. Reconoce que para cualquier persona un meme podría ser una simple imagen que se viraliza por internet, pero que abarca mucho más. “La gente se informa por memes y forma parte de todo lo que hacemos en nuestra cultura”. Hoy se está estudiando cómo impacta en la sociedad. “Por ejemplo jugadores de fútbol como Di María dejaron la selección por sus memes. Se deprimen” concluyó “Pikachu”.

Frente a un público lleno de inquietudes sobre su trayectoria laboral, reflexionó sobre todas las puntadas que damos con cada trabajo, con lo que nos formamos y con la actitud positiva que le ponemos a los desafíos al genera una trama de conocimientos y creativa. Así aseguró “este gran tejido que fui construyendo definió algo de lo más difícil en esta profesión, que es tener un estilo propio”.

Sus primeros pasos fueron en el rock, reconociendo que era como una fanática que buscaba un lugar, que no fuera el de groupie, y que pudiera estar detrás, debajo del escenario o hasta los camarines. Afirmó “mis primeros trabajos eran sacar fotos en vivo, esperar el momento de la luz. La actitud del músico era cazar la imagen, cosa que me encantaba. Pero eran momentos donde no había mucha iluminación en el escenario ni seguridad”. Así describió el momento que fue bisagra en su carrera donde dejaría de cazar para empezar a crear.

Para Cherniavsky estar detrás de una cámara es sentir pura adrenalina. Una vez que pone el ojo en el visor no hay cosa linda o fea, buena o mala. Reconoce que pone mirada introspectiva de la imagen que quiere realizar, pensando qué es lo que quiere contar. No duda en afirmar que “las personas creativas, tienen ganas de volar, pensar, generar cosas a través del diseño, el sonido y la fotografía”.

Durante la charla que compartió con el público de la FADU contó anécdotas, recuerdos vividos de cada jornada de trabajo y la costura de cada sesión fotográfica. Nunca llega a una toma sin una idea previa, sin saber lo que va hacer, sin hablar con su equipo de trabajo, sin tener referencia del pelo, maquillaje, vestuario, iluminación o ver la locación. “Tomarse el tiempo para pensar todo lo que bocetamos y cómo lo vamos a llevar adelante, poder cambiar algo, probar, llegar al momento de disparar con una idea que me entusiasme” dijo de manera contundente.

No duda en pensar que la inspiración viene de miles de lugares: de la música, la escritura, la pintura, los paisajes, de la vida misma. Como disparadores para que la fotografía conviva con miles de temáticas. “Me inspiro cuando estoy caminando y veo en Palermo el verde de una hoja que me resuelve la paleta de colores para una campaña, cuando lavo los platos, cuando me levanto a las cuatro de la mañana con alguna idea y la anoto” reconoció con sinceridad.

Hablando sobre la técnica, reveló que prefiere controlar la escena en pre-producción y así utilizar el menor retoque posible en sus fotografías. La posyproducción ayuda y termina de cerrar toda la idea que previamente plantea. “No soy de las personas que resuelven con retoque digital, me gusta elegir el color de labios o la ropa. Esta bueno el retoque pero lo uso con fines cosméticos o unir imágenes sacadas en dos momentos diferentes” afirmó con convicción.

Unas semanas antes de la conferencia un accidente doméstico llevó a la cineasta a fracturarse la muñeca. Así de manera burlona y diciendo que era su enfermera, Ros le sostuvo el micrófono mientras ella dibujaba un esquema del tiempo. “Una flecha relacionada con la mirada, al pensar en el tiempo el futuro siempre está hacia adelante”. Así se refirió a la narrativa que se basa en el futuro, que tiene miedo al spoileo y que nunca está concentrada en lo que está viendo sino en lo que va a pasar.

“Este esquema ha hecho cosas increíbles, no me parece malo, me parece peligroso cuando se vuelve hegemónico, generando una construcción de sentido en una sola dirección” reflexionó Martel. Frente a esto remarcó que es necesario que inventemos, que cada uno experimente, haciendo que la existencia de cada uno sea exclusiva. “Al marco narrativo hay que agregarle una invención propia, sintiendo el poder y la autoridad para hacerlo, escapar de esta cosa que gobierna nuestras vidas y de la narrativa hegemónica”, concluyó.

Con algunas intervenciones de la guionista, se desarrolló la charla “Diseño para música y editorial” donde el diseñador editorial Alejandro Ros hizo un recorrido por sus recordables trabajos. En la historia del rock muchos de estos diseños de tapas de discos han dejado huella como en bandas como: Soda Stereo, Miranda, Bersuit Vergarabat, Vicentico, Fito Páez, Mercedes Sosa y Luis Spinetta, entre otros.

Imágenes icónicas. Recuerdos de sus vivencias con destacados artistas Y anécdotas pintorescas hicieron reír y silbar a todo el público presente. Así recordó cuando hizo la tapa del disco de Fito Paez “Moda y pueblo”, y pensó: “…. qué más moda y pueblo que Susana Giménez”. Así que fueron al camarín del estudio de televisión a pedirle que les prestara una foto, ella accedió pero aclaró que tenían que retocarle la nariz porque ya tenía otra. O cuando en otra oportunidad citó a todos los fans de Miranda en un teatro para que ellos se mezclaran con el público y así salió la tapa. “Para hacer la tapa del disco Travesti de Daniel Melero, encontré una foto de un tipo en la calle y pensé en ponerlo en la tapa. El representante me dijo que iba a venir la persona y nos iba hacer un juicio, así que le dije que me diera una foto de él entonces, por lo que el de la tapa es el representante de Daniel”.

A gran parte de los proyectos Alejandro Ros llega jugando. Y afirma que no le tiene miedo a la obviedad. Así remarcó Lucrecia Martel “lo que hace Alejandro es acompañar al cliente a una fiesta. Por ejemplo se fue de gira con Pablo Lescano. Él entra en una relación con la persona más que con un cliente que le explique lo que quiere de la pieza. Y en ese proceso aparecen cosas inesperadamente significativas”.

“Subite a la Ola Bienal” fue el lema que auguró la gran performance de variadas y múltiples propuestas de la cuarta edición de la Bienal Nacional de Diseño UBA, que se realizó del 14 al 17 de agosto en la sede de la FADU ubicada en el Pabellón III de Ciudad Universitaria. Desde sus inicios, la materialización de la Bienal es resultado del esfuerzo que hace la facultad y su comunidad para reflejar la enorme energía, producción y construcción de conocimiento que generan diariamente las carreras de Arquitectura, Diseño de Indumentaria, Diseño de Imagen y Sonido, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Diseño Textil y Planificación y Diseño del Paisaje. Paradójicamente, y al decir de quienes la llevan adelante, la realización de la Bienal es fácil y difícil a la vez: su simplicidad radica en que la antecede una enorme producción de materiales de alta calidad realizado por las cátedras. Y su dificultad radica en poder condensarla, organizarla y hacerla lucir.

Como en sus tres ediciones anteriores, y siguiendo la línea de nuestra universidad, todas las actividades propuestas fueron libres, gratuitas y abiertas para cualquier persona que deseara vivir a pleno cuatro días de diseño y arquitectura. Esta edición contó con la visita de cerca de 10 mil personas, casi 60 charlas con destacados invitados, más 220 workshops (con 16 mil inscripciones de estudiantes), Jornadas de Formación Docentes FormarFADU y cerca de mil inscripciones de escuelas secundarias para asistir a las charlas de orientación vocacional con especialistas en el área.

La apertura formal estuvo a cargo del Decano, Arq. Guillermo Cabrera, quien se refirió a la Bienal como un evento que cristaliza la amplitud y complejidad que tiene la facultad con sus carreras, recordando que cuando comenzó a cursar solamente existía la carrera de arquitectura y el advenimiento de la democracia hizo que aparecieran los diseños.

 “Este recorrido hace posible que hoy en este evento podamos mostrarle a la sociedad toda la producción de 7 carreras” sintetizó Guillermo Cabrera.

Luego el profesor Pablo Salomone, organizador del evento, se refirió al esfuerzo que hace la facultad y la gente de la comunidad FADU (profesores, docentes, estudiantes y nodocentes) para poder reflejar la enorme energía, producción y construcción de conocimiento que hace esta casa de estudios “la Bienal muestra, en muchas facetas, los resultados del trabajo académico a la sociedad” aseguró. Durante la inauguración acompañaron además el Vicedecano, D.G. Carlos Venancio, la Subsecretaria de Planificación Estratégica y Evaluación Institucional, Anabella Rondina, y la Arq. Marita Iravedra, Subsecretaria de proyectos especiales.

Para finalizar la jornada inicial, Carlos Venancio, presentó la segunda edición de las Jornadas de Formación Docente FormarFADU destacando la importancia de la formación de formadores, para mantener la calidad de enseñanza que tiene la Universidad de Buenos Aires en general y la FADU en particular.

“Nuestro gran objetivo es convertir a las Jornadas Formar en un rito anual que les permita a nuestros equipos docentes reflexionar sobre su tarea cotidiana y acercarse a valiosas herramientas de formación, especialmente a quienes no han podido aún ingresar a la carrera docente” concluyó Carlos Venancio.

Cuarta edición con novedades

Por primera vez en una edición de la Bienal se expuso una nutrida y diversa producción de afiches en el Festival Internacional del Afiche de la UBA (FINA UBA), que se consolidó como un aporte disciplinar importante por su concurrencia y exhibición para la actividad en la región. La competencia del FINA UBA contó, tanto para profesionales como estudiantes, con dos categorías temáticas: Social/política y Cultural, y un tema especial: la inmigración. La exposición, montada en los pasillos del entrepiso de la facultad, se consolidó con 200 afiches provenientes de cuatro instancias diferentes: las piezas preseleccionadas de la competencia, afiches del jurado (integrado por graduados y docentes de la UBA), de invitados internacionales y de 14 cátedras de la carrera de Diseño Gráfico.

En este marco, y como cierre de sus actividades específicas, los referentes del jurado: Leandro Ibarra, Coco Cerella, Martín Gorricho, Gabriel Mahia, Nicolás Risso y Anabella Salem y Gabriel Mateu (integrantes de “El fantasma de Heredia”) participaron de la mesa redonda “Hablemos de afiches”. Completaron el jurado Juan Francisco Miranda y Santiago Pozzi.

Por la mañana y por la tarde, durante el primer día de la Bienal, encargados de las direcciones de las 7 carreras de la FADU, la Dirección Técnica Programa de Orientación al Estudiante (DOE) y la Departamento de Orientación Vocacional (DOV) de la UBA recibieron la visita de cerca de 1000 estudiantes de escuelas secundarias para presenciar las charlas de orientación vocacional. Con esta actividad puntual la FADU acercó su visión y producción académica a futuros estudiantes universitarios en su nueva etapa formativa.

Los invitados especiales fueron muchos. Con apellidos y carreras destacadas internacionalmente, como es el caso de la guionista y directora de cine argentina Lucrecia Martel, quien en el 2017 estrenó Zama (film seleccionado para representar a Argentina en la 90ª edición de los Premios Óscar en la categoría Mejor película de habla no inglesa). Para sorpresa de un público ansioso por ver y escuchar a una rockstar del nuevo cine local, quien durante su charla “Acerca del futuro” habló sobre narrativas visuales tanto del cine como del streaming, compartió escenario (por decisión conjunta) con el destacado diseñador gráfico Alejandro Ros y su charla “Diseño editorial”. Tanto el realizador de maravillosas tapas de discos y portadas de suplementos especiales como la directora del mítico film “La ciénaga” destacaron la importancia de la educación pública y del valor de la misma como valor igualador.

“Trama Creativa” fue la charla de la fotógrafa del rock y de moda, Andy Cherniavsky. Con un público lleno de inquietudes sobre su trabajo, reveló que prefiere controlar la escena en preproducción, para utilizar el menor retoque posible en sus fotografías, y que para ella la inspiración viene de miles de lugares; tales como la música, escritura, pintura, paisajes o la vida misma.

El público infantil tuvo la oportunidad de conocer a la ilustradora Marisol Misenta, más conocida como Isol, y a Fernando Salem, ambos creadores de la serie animada Petit que retoma e inspira sus nuevas historias en el cuento “Petit, el monstruo”. Durante una hora su auditorio se sumergió en el mundo ilustrado de cuatro amigos de 5 años: sus curiosidades, puntos de vista y preguntas algo ingenuas y claramente pícaras acerca de la vida adulta.

Ezequiel Calvo y Juanma Garrido, integrantes del colectivo de comunicación, investigación y diseño “El Gato y La Caja”, una vez más, y en este caso con su charla “Hay Tabla”, convocaron a reflexionar sobre temáticas complejas. Su proyecto parte de la tabla periódica de elementos. Le asignaron a científicos, lingüistas, sociólogos, historiadores y a personas que no tienen formación universitaria cada uno de sus elementos, para que se animen a contar una historia con 500 palabras. El resultado final es confeccionar un libro con una versión online.

Nacho Levy, referente de la agrupación La Garganta Poderosa, enfocó su charla en las problemáticas sociales, desde personas en situación de calle, conflictos con los pueblos originarios hasta femicidios, y frente a un público universitario, que particularmente no estudia los medios de comunicación, no dudó en hablar del periodismo como un negocio que no sólo sirve para contar acontecimientos, sino para poder cambiarlo.

“Diseño sin ego” fue un destacado encuentro de debate para repensar el rol del diseñador y las nuevas experiencias de usuarios en productos digitales. El espacio propuesto tuvo formato de mesa redonda y grabación en vivo para Cháchara podcast. Estuvieron presente Emi Horcada, de Chachara podcast/Globant; Carlos Venancio, Presidente de la red Disur y titular de la materia Tipografía; Gabriel Lopatín, Banco Santander/Digital house; Federico Codino, Mercado Libre; Gabriel Celemín, Giro54 y Gabriela Moirano, Globant.

Detrás de sus máscaras de luchadores mexicanos, y hacedores de inolvidables memes políticos, el humor irónico y cómplice de Eameo generó inmediatamente un boomerang contagioso con el público presente. En “Cualquiera puede memear” abrieron el juego a la banalización de la tragedia, como una síntesis perfecta de pasado, presente y futuro en frasco chico al afirmar que todos podemos ser potenciales memes “todos somos el meme de alguien”. Para ellos un meme es pueblo, cultura: como fiel reflejo de la sociedad. “Quien dedica un meme, entrega amor” afirmaron sin dudarlo.