FADU con Fundación PROA: CURSOS REALIZADOS
Realidad Aumentada en Museos. A propósito de la exhibición Acute Art.
Docentes: Marina Gutiérrez De Angelis / Gorka López de Munain / Paula Bruno Garcén / Greta Winckler
Duración: 2 meses (5 clases)
Inicio: Martes 05 de abril de 2022.
Fin: Miércoles 08 de junio de 2022.
PRESENTACIÓN:
En el marco de la muestra Un panorama de este mundo, este curso tiene por objetivo ofrecer una aproximación al uso de las herramientas digitales en el ámbito del patrimonio cultural y de las prácticas artísticas.
En los últimos años, la incorporación de tecnologías digitales ha abierto la puerta a la exploración de nuevas propuestas y experiencias culturales destinadas a la promoción, educación, conservación y difusión de diversas prácticas artísticas. Esto supone el desafío de adquirir habilidades digitales para desarrollar nuevas formas de relación entre el entorno y los públicos, así como nuevas lógicas de exhibición y de visualización, a las que se suman las prácticas artísticas contemporáneas, que incorporan tecnologías como la Realidad Virtual y Aumentada, transformando los conceptos de exhibición y públicos e inclusive del rol de las instituciones culturales en la comunidad.
Museos, patrimonio cultural y nuevas tecnologías digitales invita a profesionales de la cultura a reflexionar en torno a estas problemáticas, al tiempo que brinda herramientas para el desarrollo de propuestas en las que la sostenibilidad, la inclusión, la diversidad y la accesibilidad puedan integrarse en el desarrollo de nuevas experiencias de conocimiento y aprendizaje utilizando tecnologías digitales.
Objetivos
- Introducir a las y los alumnas/os a las herramientas digitales en el ámbito del patrimonio cultural.
- Analizar casos.
- Desarrollar ejercicios de aplicación práctica.
- Desarrollar diagnósticos de las instituciones de pertenencia de las y los alumnos en términos de integración de tecnologías digitales.
- Evaluar las posibilidades y alcances de propuestas innovadoras para exhibiciones, catalogación de colecciones y trabajo colaborativo.
Visualizar y hacer visible. Imagen, verdad y evidencia en las prácticas artísticas.
Docentes: Marina Gutiérrez De Angelis / Paula Bruno / Greta Winckler
Duración: 2 meses (5 clases)
Inicio: 15 de junio de 2021.
Fin: 17 de agisto de 2021.
RESUMEN:
¿Cómo se vuelve algo visible? “Ver” no es un acto meramente perceptivo y mecánico, sino que implica una historia de la mirada, así como de las técnicas de observación.
El término representación ha sido cuestionado desde los años 80 y reemplazado por conceptos como visualization [visualización] o rendering visible [hacer visible], poniendo el foco en los aspectos constructivos de la creación de imágenes. De este modo, se concluye que cuando los significados de la representación cambian, cambia también el modo en que un objeto de estudio es visualizado: imágenes y objetos figuran algo, lo hacen visible y esto no implica la representación de algo sino su generación. Estas problemáticas han sido abordadas no sólo desde diversos cruces disciplinares sino también desde las prácticas artísticas contemporáneas.
Teniendo en cuenta el archivo de exhibiciones de Fundación Proa, en el curso se abordarán las muestras de Harun Farocki (2013), Forensis. Forensic Architecture (2015), Fotografía Argentina 1850-2010: Contradicción y continuidad (colección Getty, 2018) y FABRIK (2019), entre otras, para analizar los procesos culturales de producción que involucran procedimientos e instrumentos para la obtención de imágenes, así como de los paradigmas asociados a ellos: ¿Cuál es el rol de las imágenes en la producción del conocimiento? ¿Cómo se materializan las disputas políticas y sociales en los procesos de visualización? ¿Qué mecanismos habilitan a que las imágenes producidas desde el campo científico puedan funcionar como “argumentos visuales” y “evidencia” en un proceso jurídico ante un crimen de lesa humanidad, pero ser también una obra exhibida en una institución artística? Estas serán algunas de las preguntas que guiarán la experiencia.
OBJETIVOS ESPECIFICOS DEL CURSO:
-
Partir del archivo de exhibiciones de Fundación Proa 2010: Contradicción y continuidad (colección Getty, 2018) y FABRIK (2019), para problematizar los conceptos de imagen y representación desde diversos cruces disciplinares y desde las prácticas artísticas contemporáneas.
-
Estudiar, a partir de una selección de obras de las exhibiciones antedichas, los procesos culturales de producción que involucran procedimientos e instrumentos para la obtención de imágenes, así como de los paradigmas asociados a ellos.
-
Analizar de qué modo algunas imágenes producidas desde el campo científico se vuelven “argumentos visuales” y “evidencia”, así como una obra exhibida en una institución artística.
El arte en la esfera pública. Concepto y gestión del site-specific.
Docentes: Rodrigo Alonso / María Filip / Juan Sorrentino / Cintia Mezza / Cecilia Jaime
Duración: 2 meses (4 clases)
Inicio: Miércoles 07 de septiembre de 2021.
Fin: Martes 9 de noviembre de 2021.
RESUMEN:
En el marco de la exhibición La Suite, con obras y artistas pertenecientes a la Colección FRAC, París (Fonds régionaux d’art contemporain, France – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), Fundación Proa presenta un nuevo curso que propone un abordaje integral de las obras site-specific en el arte contemporáneo. La experiencia a distancia, organizada en colaboración con el área de posgrado de la FADU-UBA, se compone de dos módulos dedicados tanto al estudio conceptual e historiográfico como al trabajo de gestión en torno a algunos casos.
En el Módulo I, titulado “El arte en la esfera pública”, se estudia en profundidad el origen del término y de la práctica del site-specific, así como el análisis y problematización de las obras y de sus dimensiones: pública, espacial, corporal, sensorial; la autoría de la obra, el uso de materiales cotidianos como sustento, el vínculo con el entorno, entre otros aspectos.
A su vez, en el Módulo II titulado “Patrimonios nómades” se introduce la problemática del site-specific en términos de gestión. ¿Qué implica curar una exhibición que incorpora este tipo de obras internacionales? ¿Qué desafíos se presentan al hacerlo en un contexto de pandemia? ¿Cómo se efectúa su instalación en cada caso? ¿Qué desafíos y problemáticas surgen en el proceso? ¿Cómo es la participación de los artistas y cómo trabajan con los equipos institucionales?
PRESENTACIÓN:
A lo largo de las clases, se analizan obras exhibidas en la actual muestra en Proa, La Suitey se revisa la historia de las exhibiciones para profundizar en una variedad de experiencias: Ai WeiWei, Minimalismo y Posminimalismo, Anish Kapoor, Aire de Lyon, Cai Guo-Qiang, exhibiciones en el Espacio Contemporáneo, entre otras. El curso incluye una clase en las salas de exhibición (con aforo) y recursos de archivo como publicaciones, videos, registro de montaje, entrevistas a curadores y artistas, testimonio del equipo de Proa, y demás involucrados en la organización de las exhibiciones.
OBJETIVOS ESPECIFICOS DEL CURSO:
-
A partir de artistas y obras de la exhibición La Suite y del archivo de exhibiciones de Fundación Proa, estudiar el origen del término y de la práctica del site-specific, así como el análisis y problematización de sus principales características.
-
Estudiar casos específicos que permitan estudiar la gestión institucional de exhibiciones de obras site-specific, y analizar específicamente los desafíos de las mismas en contexto de pandemia.
-
Revisar el archivo Proa para profundizar sobre la gestión de este tipo de obras, a partir del análisis de exhibiciones pasadas (Louise Bourgeois, Ai WeiWei, Minimalismo y Posminimalismo, Aire de Lyon, Cai Guo-Qiang, experiencias en el Espacio Contemporáneo, etc).
Visualizar y hacer visible. Imagen, verdad y evidencia en las prácticas artísticas.
Docentes: Marina Gutiérrez De Angelis / Paula Bruno / Greta Winckler
Duración: 2 meses (5 clases)
Inicio: 15 de junio de 2021.
Fin: 17 de agisto de 2021.
RESUMEN:
¿Cómo se vuelve algo visible? “Ver” no es un acto meramente perceptivo y mecánico, sino que implica una historia de la mirada, así como de las técnicas de observación.
El término representación ha sido cuestionado desde los años 80 y reemplazado por conceptos como visualization [visualización] o rendering visible [hacer visible], poniendo el foco en los aspectos constructivos de la creación de imágenes. De este modo, se concluye que cuando los significados de la representación cambian, cambia también el modo en que un objeto de estudio es visualizado: imágenes y objetos figuran algo, lo hacen visible y esto no implica la representación de algo sino su generación. Estas problemáticas han sido abordadas no sólo desde diversos cruces disciplinares sino también desde las prácticas artísticas contemporáneas.
Teniendo en cuenta el archivo de exhibiciones de Fundación Proa, en el curso se abordarán las muestras de Harun Farocki (2013), Forensis. Forensic Architecture (2015), Fotografía Argentina 1850-2010: Contradicción y continuidad (colección Getty, 2018) y FABRIK (2019), entre otras, para analizar los procesos culturales de producción que involucran procedimientos e instrumentos para la obtención de imágenes, así como de los paradigmas asociados a ellos: ¿Cuál es el rol de las imágenes en la producción del conocimiento? ¿Cómo se materializan las disputas políticas y sociales en los procesos de visualización? ¿Qué mecanismos habilitan a que las imágenes producidas desde el campo científico puedan funcionar como “argumentos visuales” y “evidencia” en un proceso jurídico ante un crimen de lesa humanidad, pero ser también una obra exhibida en una institución artística? Estas serán algunas de las preguntas que guiarán la experiencia.
OBJETIVOS ESPECIFICOS DEL CURSO:
-
Partir del archivo de exhibiciones de Fundación Proa 2010: Contradicción y continuidad (colección Getty, 2018) y FABRIK (2019), para problematizar los conceptos de imagen y representación desde diversos cruces disciplinares y desde las prácticas artísticas contemporáneas.
-
Estudiar, a partir de una selección de obras de las exhibiciones antedichas, los procesos culturales de producción que involucran procedimientos e instrumentos para la obtención de imágenes, así como de los paradigmas asociados a ellos.
-
Analizar de qué modo algunas imágenes producidas desde el campo científico se vuelven “argumentos visuales” y “evidencia”, así como una obra exhibida en una institución artística.
Reescribir la historia. Enfoques de género sobre arte, cine y literatura desde los años 70 hasta hoy
Docentes: María Laura Rosa / Julia Kratje / Laura Arnés
Duración: 2 meses
Inicio: 21 de abril de 2020
Fin: 08 de julio de 2020
INTRODUCCIÓN:
A lo largo de tres décadas -‘70; ‘80 y ‘90- la perspectiva de los estudios de género en torno a la historia del arte, se ha configurado como una de las líneas teóricas más críticas de los relatos tradicionales de la disciplina. Este enfoque –que señaló la falla de la historia del arte académica de no tener en cuenta el sistema de valores subyacente a sus relatos- no se limitó al mero registro de mujeres artistas, sino que propuso algo más osado: revisar el concepto mismo de subjetividad.
¿Por qué no hubo grandes artistas mujeres?: esta pregunta, lanzada por Linda Nochlin en Art News en enero de 1971, pudo haber operado como posible punto de partida para los cuestionamientos en torno a una disciplina que se sostuvo a través de las categorías de “artista” y “genio”. La idea de “genio creador” del “gran arte”, además de construir un relato de historia progresiva articulada en base a grandes nombres, fue asociada al hombre heterosexual, blanco, burgués y masculino. Todos estos conceptos operaron –a lo largo de la historia y hasta el día de hoy- como pilares de un muro que excluyó y que excluye a las prácticas y a las personas que no se insertan dentro de esas categorías, volviéndose fundantes de disciplinas artísticas profundamente sexuales, étnicas, clasistas y eurocéntricas.
Partiendo de la exhibición Crear Mundos en Fundación Proa, este curso propone dar cuenta de los sucesivos aportes nacionales e internacionales que, desde las artes visuales, el cine y la literatura contribuyeron a desarticular las bases del relato canónico del arte occidental.
OBJETIVOS:
- Aproximarnos a las principales teorías y prácticas feministas y a los estudios de género de los siglos XX y XXI, estudiar los cruces con artistas y con producciones artísticas para analizar “otras historias del arte” posibles.
- Analizar, desde una perspectiva interdisciplinaria, la ruptura que significó la emergencia de la historiografía feminista para la historia cultural canónica.
- Estudiar ejemplos de producciones artísticas, desde el siglo XX hasta la actualidad, que hayan aportado al debate en torno al rol de la mujer y del género en la construcción de un imaginario cultural, tanto en artes visuales, como en cine y en literatura, a nivel nacional e internacional.
- Articular la propuesta a distancia con la exhibición Crear Mundos en Fundación Proa, a través de actividades y recursos especiales
MIRAR EL PENSAMIENTO. Minimalismo y Conceptualismo en Estados Unidos y Latinoamérica 60-70
Docentes: Pablo Gianera / Aimé Iglesias Lukin / Katherine Wright / Rodrigo Alonso
Duración: 2 meses
Inicio: 17 de Sepetiembre 2019
Fin: 11 de Noviembre de 2019
INTRODUCCIÓN:
Durante los años 60 y 70, el Minimalismo y del Conceptualismo constituyeron probablemente el desafío más programático y contundente formulado por artistas-intelectuales a los conceptos de obra, autoría, y espectador. El impacto y la radicalidad de estas propuestas siguen resonando aún hoy, en las manifestaciones artísticas de nuestra contemporaneidad.
Desde una perspectiva interdisciplinaria, el presente curso propone analizar la ruptura que significó la emergencia de ambos movimientos en las artes sonoras, la danza y las artes visuales. La propuesta recorre no solamente las producciones más emblemáticas surgidas en los Estados Unidos en aquéllas décadas, sino también los desarrollos, derivas y apropiaciones en Sudamérica y los intercambios culturales entre el Norte y el Sur en ese contexto histórico y cultural. El rol de las minorías -sobre todo de las mujeres- en la configuración de este mapa artístico ampliado cobra especial relevancia, proponiendo así una mirada problematizadora sobre los discursos que la historia del arte supo instalar.
De este modo, el curso invita a construir de forma colectiva una mirada crítica en torno a los relatos y a los movimientos artísticos del Minimalismo y del Conceptualismo, teniendo en cuenta artistas y obras desplazadas de los relatos oficiales y considerando los debates que atraviesan nuestra contemporaneidad.
De la mano de destacados especialistas, la propuesta se organiza en el marco de la exhibición Minimalismo, Posminimalismo y Conceptualismo 60-70 en Fundación Proa y cuenta con la participación de la curadora y Ph.D. Katherine Wright.
OBJETIVOS ESPECIFICOS DEL CURSO:
- Estudiar el contexto social y cultural de los años 60 y 70, tanto en EEUU (NY) como en Sudamérica (Buenos Aires, San Pablo, Río, etc.), el intercambio cultural entre ambas regiones en el contexto histórico de la Guerra Fría.
- Analizar, desde una perspectiva interdisciplinaria, la ruptura que significó la emergencia del Minimalismo y del Conceptualismo en las artes sonoras, la danza y las artes visuales.
- Estudiar las producciones más emblemáticas surgidas en los Estados Unidos en aquéllas décadas, en diálogo con los desarrollos, derivas y apropiaciones en Sudamérica.
- Atender al rol de las minorías en el marco de estas producicones, en especial, las producciones realizadas por artistas mujeres.
- Articular la propuesta a distancia con la exhibición Minimalismo, Posminimalismo y Conceptualismo 60-70 en Fundación Proa, a través de actividades y recursos especiales.
El Diseño argentino como experiencia: intersecciones entre diseño, sociedad y cultura.
Docentes: Verónica Devalle / Gustavo Diéguez / Lucas Gilardi / Griselda Flesler / Valeria Durán
Duración: 2 meses
Inicio: 14 de mayo de 2019
Fin: 10 de julio de 2019
INTRODUCCIÓN:
Las prácticas de la arquitectura y de los diseños de indumentaria, gráfico, industrial, etc., están atravesadas por múltiples miradas vinculadas a problemáticas tecnológicas, económicas, históricas, estéticas, filosóficas y culturales. Es así que el estudio del diseño requiere, necesariamente, de un abordaje multidisciplinar, que reconozca una diversidad de perspectivas que favorezcan la elaboración teórica de acciones creativas complejas.
Es así que este curso propone abordar al campo del diseño como acción cultural inserta en un entramado social dinámico. Mediante un recorrido por sus diversos campos de acción -como pueden ser la creación de servicios para la comunidad, de nuevos objetos de consumo, o de políticas desde un enfoque participativo y coproducido- este curso brindará a los alumnos nuevos conceptos y perspectivas que operarán como herramientas conceptuales para la elaboración de interpretaciones acerca de sus propias prácticas profesionales y de sus vínculos con lo social.
Partiendo de la exhibición la exhibición Diseño en acción. Intersecciones contemporáneas en Fundación Proa, se analizará el impacto que la arquitectura y los diseños (de indumentaria, industrial, gráfico) tienen en la construcción de patrones socioculturales; las proyecciones de género y su incidencia en los procesos de diseño, en los usos y en las lecturas de los objetos y de los espacios sociales; la interacción entre diseño y sociedad en la construcción de una cultura material y visual; y el usuario y el beneficiario como sujeto activo del diseño.
OBJETIVOS ESPECIFICOS DEL CURSO:
- Formular reflexiones en torno a los diseños y de la arquitectura como prácticas culturales insertas en un entramado social, cultural y político complejo
- Brindar herramientas teóricas multidisciplinarias para un abordaje crítico del diseño en tanto acción creativa y transformadora de alto impacto
- Analizar el rol de la arquitectura y los diseños en la construcción de patrones socioculturales: diseño y estudios de género, diseño y feminismo, etc.
- Pensar al usuario y al beneficiario como sujeto activo del diseño (diseño social participativo, diseño consensuado, etc.)
- Conectar la experiencia educativa en línea con la exhibición Diseño en acción. Intersecciones contemporáneas en Fundación Proa, sus recursos y actividades